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jueves, 29 de julio de 2010

OTRO MUNDO - MANU CHAO [La Radiolina]

É SAPATÃO

felinas do funk as originais...

GOSTOSA DANÇANDO

Musas do Carnaval de São Paulo 2010

¡¡¡AGUANTE LA KUMVIA!!!

Mapale - Ollin Yoliztli 2007 -

PLUMAS del carnaval de BARRANQUILLA

LA POLLERA COLORA por Lidia

MAMBO GOZON

MAMBO GOZON

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TONINO CAROTONE - "Me cago en el amor"



Me Cago En El Amor
Tonino Carotone

E' un mondo difficile
e vita intensa
felicita' a momenti
e futuro incerto
il fuoco e l'acqua
con certa calma
serata di vento
e nostra piccola vita
e nostro grande cuore

Porque voy a creer yo en el amor
si non me entiende no me comprenden tal como yo soy
Porque voy a creer yo en el amor
si me traiciona y me abandona cuando major estoy
No sabemos muy bien entre tu y yo
y aunque parezca no tienes la culpa la culpa es del amor

E' un mondo difficile
e vita intensa
felicita' a momenti
e futuro incerto

No puedo convencer a mi corazon
si yo no dudo y estoy seguro que el tiene razon
No voy a asesinar esa sensacion
si yo la quiero yo la deseo aunque me de' dolor
Yo no quiero sufrir pero aqui' estoy
y estoy sufriendo y no me arrepiento me cago en el amor

E' un mondo difficile
e vita intensa
felicita' a momenti
e futuro incerto
il fuoco e l'acqua
con certa calma
serata di vento
e nostra piccola vita
e nostro grande cuore

Porque voy a creer yo en el amor
si non me entiende no me comprenden tal como soy yo
Porque voy a creer yo en el amor
si me traiciona y me abandona cuando major estoy
No sabemos muy bien entre tu y yo
y aunque parezca no tienes la culpa la culpa es del amor
Yo no quiero sufrir pero aqui' estoy
y estoy sufriendo y no me arrepiento (me cago en el amor) me cago en el amor

Me cago en el amor
Me cago en el amor

Vita mia

E' un mondo difficile

miércoles, 28 de julio de 2010

Manu Chao La Despedida La Colifata Buenos Aires 2005




Ya estoy curado
Anestesiado
Ya me he olvidado de tí...
Hoy me despido
De tu ausencia
Ya estoy en paz...
Ya no te espero
Ya no te llamo
ya no me engaño
Hoy te he borrado
De mi paciencia
Hoy fui capaz...
Desde aquel día
En qu te fuiste
yo no sabía
Que hacer de tí
Ya están domados
Mis sentimientos
Mejor así...
Hoy me he burlado
De la tristeza
Hoy me he librado
De tu recuerdo
ya no te extraño
Ya me he arrancado
Ya estoy en paz...
Ya estoy curado
Anestesiado
Ya me he olvidado

Te espero siempre mi amor
Cada hora, cada día
Cada minuto que yo viva... Te espero siempre mi amor...
Te quiero... Siempre
Mi amor...
Se que un día... volverás...
No me olvido y te quiero...T.E.S.M.A...T.E.S.M.A...

martes, 27 de julio de 2010

VÉRTIGO DE ALFRED HITCHCOCK


















- VÉRTIGO. DE ENTRE LOS MUERTOS (1958)



Dirección: Alfred Hitchcock
Guión: Samuel A. Taylor y Alec Coppel basándose en la novela D'entre les morts de Pierre Boileau y Thomas Narcejac.
Reparto: James Stewart, Kim Novak, Barbara Bel Geddes, Tom Helmore

Argumento: El inspector de San Francisco Scottie Ferguson sufre de vértigo y se ve obligado a retirarse del servicio cuando un compañero cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente. Un día recibe una llamada de Gavin Elster, antiguo compañero de clase, que es millonario, y la pide que vigile discretamente a su esposa Madeleine, que parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, fallecida cien años atrás. Después de seguirla y observarla durante unos días, Ferguson se obsesiona con Madeleine. A partir de ese momento se ve envuelto en una trama de la que no puede salir.
Detrás de la cámara: Vértigo es una de mis películas favoritas de todos los tiempos, la descubrí cuando era una niña gracias al ciclo que TVE dedicó a Alfred Hitchcock y que se emitía los martes en horario de máxima audiencia, qué gozada. Desde que vi los títulos de crédito diseñados por el genial Saul Bass intuí que me iba a encontrar con una película fascinante y no me equivoqué.
Según el realizador François Truffaut, Alfred Hitchcock se quedó con las ganas de comprar los derechos de Las Diabólicas, anterior novela de Pierre Boileau y Thomas Narcejac y estos viendo el interés del genial director escribieron Sueurs Froides: D'entre les Morts para él cuyos derechos adquirieron enseguida los estudios Paramount, aunque Narcejac asegura que no se escribió la novela con esa intención. Una vez hecho con los derechos, contrató a Maxwell Anderson para que la adaptara y le despidió porque no le gustó nada el guión que le ofreció, Darkling I Listen. Contratando al dramaturgo Samuel Taylor que escribió el guión en donde tomó como referencia las notas realizada por el propio Hitchcock, también aprovecharon algunas escenas escritas por otro guionista, Alec Coppel, algunas de ellas fundamentales para el desarrollo del film. Pero Coppel al ver que en los créditos no figuraba protestó ante el Sindicato de Guionistas que determinó que ambos guionistas debían figurar en los créditos de la cinta.
Una curiosidad muy de Hitchcock. En la novela original el protagonista era impotente. Los autores describían claramente en su primer capítulo, que nunca había conocido a una mujer aunque tuviera más de 30 años. En la adaptación cinematográfica el realizador se divierte con todo tipo de alusiones sexuales. En la segunda escena, cuando Scottie va a visitar a su amiga Midge, él maneja un bastón sin saber qué hacer con él mientras que ella habla de un breve noviazgo entre ambos en donde no pasó nada. Él apunta hacia un sujetador porque ella es diseñadora de lencería. Para Hitchcock el bastón de Scottie es un sustituto del sexo, insinuando que no sabe que hacer con él cuando está en compañía de una mujer que desea llevarle a la cama. Al final de la larga secuencia, Scottie trata de luchar contra su vértigo subiéndose poco a poco a un escabel. En este momento el director nos enseña, en un plano muy breve, dibujos de mujeres al pie de los escalones. Nos sugiere de esta manera un ensayo de erección que acaba en un fiasco ya que el protagonista cae en los brazos de la más que insatisfecha Midge.
Después de esta curiosidad pasemos al reparto. Hitchcock tenía claro que Scottie tenía que ser uno de sus actores fetiches, James Stewart, el mejor actor que podía interpretar a un hombre normal que se ve envuelto en una situación de la que no puede salir fácilmente. Para interpretar a Madeleine / Judy se quedó con las ganas de que lo interpretase su musa, Grace Kelly pero esta ya se había convertido en la Princesa de Mónaco, así que pensó en otra actriz, Vera Miles, a la que posteriormente veríamos en Psicosis, pero no pudo hacerlo ya que en aquel momento estaba embarazada. Por lo tanto se vio obligado a contratar a otra actriz, Kim Novak, él aunque no era muy partidario tenía ganas de descubrir si había algo más en aquella cara que hasta ese momento solo había protagonizado comedias de escasa trascendencia. Barbara Bel Geddes, que dos décadas después se haría popular por la serie Dallas, daría vida a Midge la amiga del protagonista, y Tom Helmore, habitual secundario de cintas de terror o de suspense, daría vida a Gavin Elster, marido de Madeleine.
La cinta tendría un presupuesto de 2,5 millones de dólares y se rodó entre septiembre y diciembre de 1957 en los estudios de la Paramount y los exteriores en San Francisco, Hitchcock decidió trasladar la acción de la novela original que ocurría en París a San Francisco.
La relación entre Hitchcock y Kim Novak fue tensa desde el principio, según declaraciones del director la actriz estaba muy nerviosa "tuve que hacer que se relajara, darle confianza. Al menos tuve la oportunidad de echarla diez veces al agua", sádico que era el hombre, haciendo referencia al intento de suicidio de Madeleine. También tenían diferentes criterios en cuanto al aspecto que debería lucir la actriz durante la cinta, ella estaba en contra del vestuario y de los peinados que debía lucir, según el realizador "Ella tenía unas opiniones muy definidas sobre sí misma: su pelo tenía que ser siempre del mismo color rubio que le hizo famosa; no debía llevar trajes bajo ninguna circunstancia. Vino a mi casa sin que yo la hubiese visto antes previamente, y trajo estas condiciones. Le dije: Mire señorita Novak, usted se pone el color de cabello que quiera y lleve puesto lo que quiera, con tal que todo esté de acuerdo con el tema a interpretar. Y el tema requería que fuese en parte morena y que llevase un traje gris. En estos casos acostumbro a decir: escuche, haga lo que quiera; siempre queda la sala de montaje. Esto los corta y es el fin del asunto." El famoso vestido gris que lucía Kim Novak fue diseñado por la mítica Edith Head.
Dos de las escenas claves de la cinta se desarrollan en la Torre de la Misión de San Juan Bautista, el protagonista es incapaz de subir las escaleras debido al vértigo que padece. Rodar el efecto del vértigo para Hitchcock fue todo un problema, tenía varias dudas al respecto ya que la técnica aún no ayudaba, cuando estaba pensando seriamente en rodar ese efecto con maquetas, aparece un cámara de la segunda unidad, Irmin Roberts, que ni siquiera tiene acreditación en la cinta, con una idea que era la combinación del travelling out y del zoom it, desde ese entonces Roberts quedó como el inventor del contra-zoom.
Vértigo tiene toda la apariencia de un thriller policíaco pero en realidad es una historia de amor, la más hermosa historia de amor que rodó nunca Alfred Hitchcock. Cuenta la historia de un hombre desesperado por recuperar a su amada muerta. La trama policial actúa como un McGuffin argumental, la excusa perfecta para que la pasión entre los dos protagonistas funcione, con este film el realizador reflexiona sobre la impotencia humana ante la irreversibilidad de la muerte. La obsesión de Scottie por la ya fallecida Madeleine le lleva a intentar resucitar su imagen a través del cuerpo de Judy, haciéndole vestir sus ropas y peinándola como ella. La culminación de su esfuerzo, y el éxtasis de su deseo sexual se produce en la escena de la transformación final de Judy en Madeleine, cuando ella sale del lavabo envuelta en un fantasmal halo verde que expresa su resurrección de entre los muertos. Entonces Scottie abrazará y besará a Judy/Madeleine y podrá quererla por fin, pero Judy no está poseída por el espíritu de Madeleine ya que todo es un fraude, pero eso Scottie aún no lo sabe. Fetichismo y necrofilia se mezclan en esta escena que culmina con un larguísimo beso, a mi juicio una de las escenas de amor más bellas que he visto en el cine amenizada con el hermosísimo score de Bernard Herrmann, inspirado en Tristán e Isolda de Richard Wagner. Como curiosidad, Hitchcock le recomendó a Kim Novak que afrontara esta escena como si fuera un desnudo.
Por exigencias de los distribuidores, que creían que el final era demasiado agresivo y ambiguo para la época, Hitchcock rodó una escena adicional con una charla relajada entre Scottie y Midge que servía para cerrar la película. Hitchcock tras estrenar el film en el Festival de San Sebastián de 1958 decidió eliminar esa escena. En el DVD se incluye otra que nos presenta a Midge viendo la televisión y enterándose de lo sucedido.
No quisiera olvidarme de uno de los habituales cameos del realizador, aparece en el minuto número once caminando por la calle.
Vértigo se estrenó en mayo de 1958, a pesar de que hoy se la considera la obra maestra o una de las obras maestras de Alfred Hitchcock fue bastante masacrada por los críticos, algunos la tildaron de absurda y fue un absoluto fracaso en taquilla. Él responsabilizó a James Stewart del desastre ya que aparentaba muy mayor para el personaje que estaba interpretando, de hecho Vértigo supuso el final de la colaboración artística entre ambos.
Décadas después Alejandro Amenábar haría su propia versión de Vértigo con Abre los ojos, con un claro homenaje a la escena de la transformación de Judy, tal vez por eso tras su estreno en los Estados Unidos le ofrecieron realizar un remake de Vértigo que no aceptó.

Premios y nominaciones: Vértigo ganó la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián de 1958 y James Stewart se alzó con la Concha de Plata al mejor actor. Alfred Hitchcock fue candidato al premio del Gremio de Directores, y la cinta tuvo dos candidaturas al Oscar, mejor sonido y dirección artística. En el año 1989 fue seleccionada por la Filmoteca Nacional, dependiente de la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos para su conservación. Recientemente el Instituto de Cine Americano la colocó entre las 100 mejores películas de la Historia del Cine, situándose en la posición novena.
Fuente: http://www.cinemavip.com/groups/nuestros-clsicos-del-cine-favoritos/posts/vrtigo-de-alfred-hitchcock

Joe Bonamassa - Blues Deluxe

AC/DC-Its a long way to the top (if you want to rock n roll)

sábado, 24 de julio de 2010

Kameyo deklarado indeseable



Extractado de Historias de cronopios y de famas. Autor: Julio Cortazar

Aceptan todas las solicitudes de paso de frontera, pero Guk, camello, inesperadamente declarado indeseable. Acude Guk a la central de policía donde le dicen nada que hacer, vuélvete a tu oasis, declarado indeseable inútil tramitar solicitud. Tristeza de Guk, retorno a las tierras de infancia. Y los camellos de familia, y los amigos, rodeándolo y que te pasa, y no es posible, por que precisamente tú. Entonces una delegación al Ministerio de Tránsito a apelar por Guk, con escándalo de funcionarios de carrera: esto no se ha visto jamas, ustedes se vuelven inmediatamente al oasis, se hará un sumario.

Guk en el oasis come pasto un día, pasto otro día. Todos los camellos han pasado la frontera, Guk sigue esperando. Así se van el verano, el otoño. Luego Guk de vuelta a la ciudad, parado en una plaza vacía. Muy fotografiado por turistas, contestando reportajes. Vago prestigio de Guk en la plaza. Aprovechando busca salir, en la puerta todo cambia: declarado indeseable. Guk baja la cabeza, busca los ralos pastitos de la plaza. Un día lo llaman por el altavoz y entra feliz en la central. Allí es declarado indeseable. Guk vuelve al oasis y se acuesta. Come un poco de pasto, y después apoya el hocico en la arena. Va cerrando los ojos mientras se pone el sol. De su nariz brota una burbuja que dura un segundo mas que él.

martes, 20 de julio de 2010

FOTOS PORNOGRÁFIKAS



















Los emigrantes, ahora.

"Desde siempre, las mariposas y las golondrinas y los flamencos vuelan huyendo del frío, año tras año, y nadan las ballenas en busca de otra mar y los salmones y las truchas en busca de sus ríos. Ellos viajan miles de leguas, por los libres caminos del aire y del agua.

No son libres, en cambio, los caminos del éxodo humano.

En inmensas caravanas, marchan los fugitivos de la vida imposible.

Viajan desde el sur hacia el norte y desde el sol naciente hacia el poniente.

Les han robado su lugar en el mundo. Han sido despojados de sus trabajos y sus tierras. Muchos huyen de las guerras, pero muchos más huyen de los salarios exterminados y de los suelos arrasados.

Los náufragos de la globalización peregrinan inventando caminos, queriendo casa, golpeando puertas: las puertas que se abren, mágicamente, al paso del dinero, se cierran en sus narices. Algunos consiguen colarse. Otros son cadáveres que la mar entrega a las orillas prohibidas, o cuerpos sin nombre que yacen bajo tierra en el otro mundo adonde querían llegar.

Sebastião Salgado los ha fotografiado, en cuarenta países, durante varios años. De su largo trabajo, quedan trescientas imágenes. Y las trescientas imágenes de esta inmensa desventura humana caben, todas, en un segundo. Suma solamente un segundo toda la luz que ha entrado en la cámara, a lo largo de tantas fotografías: apenas una guiñada en los ojos del sol, no más que un instantito en la memoria del tiempo".
________________________

Este es un texto extractado del libro del escritor y maestro uruguayo, a quien admiramos, "Bocas de Tiempo"
Y buscamos fotografías de Sebastián Salgado, el fotografo brasileño al cual alude el texto.
Encontramos algunas y realmente impactan por su crudeza. Contrastan con tanta imagen fashion. Estas deberían ser fotos consideradas pornográficas, y no las de sexo. Estas fotos y lo que representan es lo que debería escandalizar al mundo entero, al punto de luchar para que las situaciones de tremenda injusticia que reflejan, cambien de una vez por todas. Que en el mundo los trabajadores hagan una revolución que termine con este perverso sistema capitalista, que agobia, hambrea y sume en la miseria más espantosa, a millones y millones de seres humanos.
Fuente:
1. http://tejiendocuentos.blogspot.com/2010/03/bocas-del-tiempo-galeano.html
2. http://www.google.com.ar/images?hl=es&q=Sebastian+Salgado&rlz=1W1ADBR_es&um=1&ie=UTF-8&source=univ&ei=AwdGTMWqDsKBlAf31dzUBA&sa=X&oi=image_result_group&ct=title&resnum=1&ved=0CCgQsAQwAA

lunes, 19 de julio de 2010

PELÍKULAS ERÓTIKAS

Criaturas salvajes (Wild things) (1998)

Dirección: John McNaughton
Guión: Stephen Peters
Protagonistas: Kevin Baconm, Neve Campbell, Matt Dillon, Theresa Russell, Denise Richards, Daphne Rubin-Vega, Carrie Snodgress, Robert Wagner, Bill Murray
Argumento: Criaturas salvajes es una irreverente historia de poder, venganza, lujuria y asesinatos ambientada en los oscuros pantanos de Florida y en el enclave marítimo de Blue Bay. Pasión que enciende pasión, misterio que desata misterio, asi es como las vidas de cuatro astutos personajes dan vueltas en un bizarro laberinto de verdad e ilusión del cual solo el más fuerte saldrá.

El Decamerón (Il Decameron, 1970)
Dirección: Pier Paolo Pasolini
Guión adaptado: Pier Paolo Pasolini
Basado en: Il Decameron (novela), de Giovanni Bocaccio
Protagonistas: Franco Citti, Ninetto Davoli
Argumento: Adaptación muy libre hecha por el controvertido Pasolini sobre varios de los relatos de la clásica novela de Boccaccio, gran exponente de la picaresca medieval italiana. Las historias elegidas por Pasolini (que, además, en el film interpreta al pintor Giotto, vínculo entre las historias) no apuntan tanto a recrear el universo medieval del escritor, sino a modelar un comentario metafórico sobre la Italia del siglo XX, con el acento puesto en los conflictos de clase, de acuerdo con la mirada marxista del director.
Primer film de la llamada "trilogía de la vida" del realizador -que se completa con Cuentos de Canterbury y Las mil y una noches- dio lugar a numerosas versiones cinematográficas de la obra de Bocaccio en la primera mitad de los años 70, ninguna de ellas con las pretensiones artísticas e ideológicas de su antecesora.

El imperio de los sentidos (Ai no corrida / L'Empire des sens, 1976)
Dirección: Nagisa Oshima
Guión: Nagisa Oshima
Protagonistas: Tatsuya Fuji, Eiko Matsuda
Argumento : Ambientada en Tokio en 1936 y basada en una historia real, la película narra el encuentro de un hombre casado y una mujer a la que conoce en un burdel. Allí, rodeados de otras geishas que cumplen el papel de familiares, celebran un simulacro de boda que termina en una fiesta desenfrenada.
Los amantes se van a vivir a una casa alquilada, donde el amor y los contactos sexuales se hacen cada vez más exigentes y absolutos, generando una relación que oscila entre el erotismo y la ritualidad.
Aunque el sexo tiene en el film un sentido metafísico, en la Argentina se la consideró una película casi pornográfica y fue -en la primera mitad de los 80- una de las primeras en recibir la calificación de "exhibición condicionada".

Emmanuelle (1974)


Dirección: Just Jaeckin
Guión adaptado: Louis Richard-Jean
Basado en: Emanuelle (novela), de Emmanuelle Arsan
Protagonistas: Sylvia Kristel, Marika Green, Daniel Sarky
Argumento : La historia de la joven esposa de un diplomático francés destinado en Bangkok, poco afecta al sexo, que es introducida por una hermosa adolescente en un auténtico despertar erótico y sexual, tras lo cual entra en una jornada de excesos de todo tipo guiada por un hombre maduro.
El film -opera prima del director Just Jaeckin, adaptando una novela de Emmanuelle Arsan originalmente prohibida por el gobierno de De Gaulle, pero finalmente autorizada- introdujo en Europa el sexo explícito y permaneció en cartelera durante trece años en un cine de París.
Emmanuelle no es abiertamente una película pornográfica, sino una soft-porno donde las escenas de sexo existen pero están sutilmente fotografiadas como para atenuar el impacto.
Luego tuvo más de veinte secuelas protagonizadas por quince actrices diferentes y mucho más explícitas. La primera tiene como protagonista a Sylvia Kristel, lanzada a la fama como actriz erótica tras este papel.

Instinto básico (1992)

Dirección: Paul Verhoeven
Guión: Joe Eszterhas
Protagonistas: Michael Douglas, Sharon Stone, Leilani Sarelle, David Wells
Argumento : Un antiguo cantante de rock ha sido brutalmente asesinado. La última vez que se le vió estaba acompañado por su novia. En la comisaría, en el departamento de Asuntos Internos, Nick Curran recibe el encargo de vigilar a Catherine Tromell, la novia del asesino.
Historia de intriga y asesinatos con mucho sexo tanto lésbico como bisexual. Marcó un antes y un después en el cine de Hollywood.

Jamón, Jamón (1992)



Dirección: J.J. Bigas Luna
Guión: J.J. Bigas Luna, Cuca Canals
Protagonistas: Stefania Sandrelli, Anna Galiena, Juan Diego, Penélope Cruz, Javier Bardem, Jordi Mollà
Argumento : José Luís es el hijo de un acaudalado matrimonio, propietario de una fábrica de ropa interior masculina, donde trabaja Silvia, su novia. Cuando ésta queda embarazada, José luís en contra de los deseos paternos promete casarse con ella. La madre no considerando a Silvia lo suficientemente buena para casarse con su hijo decide contratar a un jóven aspirante a torero para que seduzca a la jóven...

La carne (1991)
Dirección: Marco Ferreri
Guión: Liliane Betti, Massimo Bucchi, Marco Ferreri, Paolo Costella
Protagonistas: Francesca Dellera, Sergio Castellito
Argumento : El realizador Marco Ferreri incursiona en el terreno de la sexualidad en su vertiente más agresiva, emparentada con la soledad y la angustia, en la historia de dos personajes que deciden alejarse de la neurosis de la vida urbana y refugiarse en una pequeña casa cerca de una playa para tener sexo sin límites.
Exhuberante y posesiva, la mujer utiliza técnicas aprendidas de un gurú del sexo para convertir a su amante -casado y padre de dos hijos- en un esclavo.
El atrevimiento de la propuesta -no siempre efectiva en términos artísticos- va todavía más lejos, ya que incluye un trágico ritual antropofágico como última posibilidad de posesión del otro.

La loba (La lupa, 1996)
Dirección: Gabrielle Lavia
Guión adaptado: Gabrielle Lavia
Basado en: La lupa (novela), de Giovanni Verga
Protagonistas: Mónica Guerritore, Giancarlo Giannini , Raoul Bova
Argumento : En una zona rural siciliana, una mujer es asediada por los hombres. Para estar cerca del único de ellos del cual está locamente enamorada, acepta que este se case con su hija. Su decisión la convierte en el centro de las habladurías del lugar y produce consecuencias irreparables. Film inspirado en la novela homónima de Giovanni Verga (1840-1922), reconocido novelista y dramaturgo italiano que retrató con un estilo verista la primitiva vida rural italiana de la segunda mitad del siglo XIX.
Sin embargo, la película fue acusada por la crítica de explotar solo el costado erótico de la obra.

La luna (1979)
Dirección: Bernardo Bertolucci
Guión: Bernardo Bertolucci, Clara Peploe, Giuseppe Bertolucci
Inspirada en: una idea de Franco Arcalli, Bernardo Bertolucci
Protagonistas: Jill Clayburgh, Matthew Barry (I)
Argumento : La historia de una relación crecientemente incestuosa entre una exitosa cantante estadounidense de ópera y su hijo adolescente que, conflictuado por la ausencia de su padre muerto, se va haciendo adicto a la heroína.
Varias de las constantes del cine del italiano Bernardo Bertolucci se dan cita en este film: el tema del familiar ausente, una actitud no convencional ante el amor y el sexo y la mezcla preciosismo visual decadente y montaje operístico, que alcanza su clímax en la impactante secuencia final.

Nueve semanas y media (Nine 1/2 Weeks, 1986)


Dirección: Adrian Lyne
Guión adaptado: Sarah Kernochan, Patricia Louisianna Knop, Zalman King
Basado en: (novela), de Elizabeth McNeill
Protagonistas: Mickey Rourke, Kim Basinger
Argumento : Un ejecutivo de Wall Street y una mujer recién divorciada que trabaja en una galería de arte entablan una relación estrictamente carnal durante el lapso que indica el título. Ninguno de los dos cree en el amor, por lo que el film consiste en la exhibición de una serie de variantes sexuales practicadas por la pareja con diversos efectos de luz, montaje y música de rock.
El más exitoso de varios films claramente derivados de Último tango en París, al punto de que algunos críticos lo consideraron su equivalente para los años 80, comparte con la obra de Bernardo Bertolucci la idea argumental -dos desconocidos que esconden sus fracasos personales embarcándose en una maratón sexual- y la intención de escandalizar.
También hay cierto parentesco en la presencia de Mickey Rourke, un protagonista masculino a caballo entre el estrellato y la marginalidad cuyos tics actorales le deben mucho a Marlon Brando.
Sin embargo, el lirismo visual y el existencialismo setentista de Último tango... son reemplazados aquí por una estética de corto publicitario y una actitud posmoderna propios de los años 80, que dan como resultado un producto erótico de consumo masivo, lejos de las pretensiones intelectuales de Bertolucci.
La escena más conocida del film -el strip-tease de Basinger al compás de la canción de Joe Cocker You can leave your hat on- cimentó la fama de esta actriz como símbolo sexual de su época y la del director Adrian Lyne como especialista en temas eróticos. La versión en video contiene material adicional más audaz, no visto en la edición cinematográfica.

Ojos bien cerrados (Eyes Wide Shut, 1999)


Dirección: Stanley Kubrick
Guión adaptado: Stanley Kubrick , Frederic Raphael
Basado en: Traumnovelle (novela), de Arthur Schnitzler
Protagonistas: Tom Cruise, Nicole Kidman
Argumento : Un matrimonio joven, adinerado y aparentemente feliz entra en crisis cuando la mujer le cuenta a su marido, un exitoso médico, la fantasía sexual que tuvo con un desconocido.
Esto anima al hombre a desarrollar, por primera vez, sus propias fantasías, que lo llevan a vivir dos pesadillescas jornadas con extravagantes experiencias vinculadas al sexo.
Última película de Stanley Kubrick, es una adaptación libre de una novela de Arthur Schitzler que traslada la acción de la Viena de los años 20 a la Nueva York actual. La historia transcurre en un clima de ensoñación artificial, distante, propia del cineasta.
La película es famosa por su rodaje prolongado y problemático, en el que Kubrick obligó a los actores a repetir y rehacer escenas una y otra vez. Cuatro días antes de presentar su corte final a la Warner Bros., el realizador falleció.

Pretty Baby (1978)
Dirección: Louis Malle
Guión: Louis Malle
Protagonistas: Brooke Shields, Keith Carradine, Susan Sarandon
Argumento : En la Nueva Orleans de 1917, cuando la prostitución aún era legal, un fotógrafo se dedica a retratar a las trabajadoras de un burdel del distrito rojo de la ciudad. Una de ellas se casa y decide dejar a su pequeña hija de 12 años con sus compañeras. La pequeña comienza a trabajar en el burdel y se enamora del fotógrafo, quien la lleva a vivir a su casa. La relación del hombre con esta "niña-mujer" que lo llama "papi" es tan compleja como sórdida.
Vuelta de tuerca a la historia de Lolita, la obra de Vladimir Nabokov que Stanley Kubrick llevó al cine en 1962, el film está dirigido por el francés Louis Malle y protagonizada por la bella Brooke Shields, la niña prodigio hollywoodense de los 70.

Saló o los 120 días de Sodoma (Salò o le 120 giornate di Sodoma, 1975)
Dirección: Pier Paolo Pasolini
Guión adaptado: Pierre Klossowski, Pupi Avati, Roland Basrthes, Sergio Citti, Pier Paolo Pasolini, Maurice Blanchot
Basado en: Sodoma (novela), de Marques de Sade
Protagonistas: Paolo Bonacelli
Argumento : Última película de Pasolini antes de su inesperado asesinato, en la que el realizador traslada la acción de la clásica y provocativa novela del Marqués de Sade a la República fascista de Mussolini de la Italia de 1944. El film se centra en las humillaciones y torturas de todo tipo que sufren jóvenes de ambos sexos en una suntuosa villa por parte de varios representantes de la clase alta y la aristocracia.
Según el propio director, se trata de una metáfora sobre el fascismo, pero sus excesos (violencia sexual sin límites, ingestión de materia fecal) y la escasa resistencia opuesta por las víctimas propone también otras lecturas.

Último tango en París (Ultimo tango a Parigi, 1972)



Dirección: Bernardo Bertolucci
Guión: Bernardo Bertolucci, Franco Arcalli
Protagonistas: Marlon Brando, Maria Schneider
Argumento : Un americano exilado en París, con una profunda depresión por el suicidio de su esposa, sostiene con una joven a la que conoce casualmente una relación planteada en términos puramente sexuales, sin ningún otro aditamento.
Fuente: http://www.sexologia.com/index.asp?pagina=http://www.sexologia.com/inicio/peliculas.htm

Alicia Machado












A sus 33 años de edad la ex Miss Universo se dejó ver sin ropa y sintiéndose orgullosa por ello.

Alicia Machado se desnudó para Plabyboy(Foto: cortesía sinflash.com; Playboy México)

Foto: cortesía sinflash.com; Playboy México

Como fue anunciado la venezolana aparece provocativamente en la portada de la revista Playboy México edición julio 2010. Es la tercera vez que la sensual modelo y actriz aparece en la publicación de hombres más famosa del mundo.

Durante la sesión de fotos llevada a cabo por Uriel Santana, Machado expresó que para ella y para cualquier celebridad es un honor posar para Playboy. "No soy una actriz que posa para cualquier revista. No hago nada grotesco ni pornográfico, yo no me dedico a eso, y si me dedicara igual haría mi trabajo con mucha dignidad y mi hija tendría que entenderlo así" agregó Alicia.

Playboy México eligió a la ex representante de la belleza universal para estrenar un nuevo concepto editorial que estará acompañado de un cambio en el formato y contenidos exclusivos para ese país.

Deléitese con algunas de las fotografías de Alicia Machado contenidas en la sexy edición de la revista.
Fuente:http://entretenimiento.latam.msn.com/ar/fotogaleria-modelos.aspx?cp-documentid=24884585&page=11

domingo, 18 de julio de 2010

Dovle de kuerpo - Brian de Palma


Sinopsis

Un actor de películas deterror descubre a su mujer con su amante y tras abandonar la casa donde vive se instala en una lujoso apartamento que le ha dejado un compañero del oficio. Desde ahí ve como cada noche una mujer desconocida monta un pequeño y morboso espéctaculo en su vivienda…

Crítica de Cine.com por Leo Aquiba Senderovsky

Brian De Palma en su mejor momento. Doble cuerpo es una exposición del voyeurismo en el cine (una de las tantas), y la mejor conjunción de los recursos visuales de un notable realizador, con lo que se quiere contar. Por aquella época, desde Sisters en 1973, De Palma se obsesionaba con ciertos tópicos del cine de Hitchcock, (ejemplos de esto son las magistrales Carrie, Vestida para matar y Blow out), hasta que la crítica y la industria comenzó a encasillarlo como “el sucesor de Hitchcock”, o como un mero copista. En Doble cuerpo, toma esencialmente elementos de Vértigo y La ventana indiscreta (el protagonista, un actor de películas clase B, claustrofóbico, ve por su ventana el asesinato de una mujer), pero estos elementos son llevados a otro nivel, otro registro, superponiendo la cuasi inverosímil y paródica trama, con el mundo del cine clase B, y el cine porno, tejiendo un entramado que alberga cine marginal con destreza visual, pantalla dividida, planos secuencias, y otros recursos propios del mejor De Palma. Una escena clara del límite con lo bizarro, es el ingreso del personaje al mundo del cine pornográfico, acompañado por el cantante de Frankie Goes to Hollywood y su clásico ochentoso, “Relax”. Notable desde todo punto de vista, como homenaje en sí o como pieza característica de un autor habitualmente subvalorado como es Brian De Palma, es una gran película, casi al mismo nivel que películas más comerciales y recordadas, como El precio del poder o Los intocables. Interesantes participaciones de Melanie Griffith, desconocida por ese entonces, como una estrella porno, y de Gregg Henry, actor fetiche de De Palma, a quien se lo ha visto en películas como “Payback”, junto a Mel Gibson. El protagonista, Craig Wasson, que no cobró mayor fama luego de este film, es un émulo perfecto de James Stewart (en ambas películas citadas), y funciona a la perfección dentro de este ejemplo claro de “mecánica depalmiana”, entre el suspense y el camp.
•Nacionalidad: EE.UU
•Duración: 109 minutos
•Año: 1984
•ELENCO: Melanie Griffith, Craig Wasson y Gregg Henry
•MÚSICA: Pino Donaggio
•DIRECCIÓN: Brian de Palma
•FOTOGRAFÍA: Stephen H. Burum
•GUIÓN: Brian de Palma y Robert J. Avrech
•PRODUCCIÓN: Columbia Pictures Corporation


Biofilmografía de Brian De Palma

Nació el 11 de septiembre de 1940 en Newark (Nueva Jersey). Hijo de un cirujano, desde muy temprana edad se interesó sobre todo por las ciencias y la técnica; en dos ocasiones ganó la “National Science Fair Competition” (Concurso Nacional de Ciencias).Mientras estudiaba la carrera de Física, descubrió su pasión por el séptimo arte, interesándose especialmente por el trabajo de Alfred Hitchcock, Roman Polanski y Jean-Luc Godard. De 1962 a 1964 estudió Arte dramático en el Sarah Lawrence College de Nueva York y dirigió varios cortometrajes.Hacia finales de los setenta ayudó como favor a George Lucas en el casting de Star Wars. También ayudó a redactar el texto que aparece en la primera escena de esta película.Después de siete producciones independientes, salta a la fama con la película Sisters (1973) y usa por primera vez el estilo vouyerista que después será, junto con las pantallas divididas, una característica en su estilo.

Filmografía:

Asesinato a la moda (1968), Saludos (1968), El banquete de boda (1969), Dionisio (1970), Hola, mamá (1970), Conozca a su conejo (1972), Hermanas (1973), El fantasma del paraíso (1974), Obsesión (1976), Carrie (1976), La furia (1978), Una familia de locos (1979), Vestida matar (1980), Impacto (aire comprimido) (1981), El Precio del Poder / Caracortada (1983), Doble Cuerpo (1984), Wise Guys (1986), Los Intocables de Eliot Ness (1988), Corazones de Hierro (1989), La hoguera de las Vanidades (1990), En Nombre de Caín (1992), Atrapado por su Pasado / Carlito's Way (1993), Misión: Imposible (1996), Ojos de serpiente (1998), Misión en Marte (2000), Mujer fatal (2002), La dalia negra (2006)
Fuente: http://blog.cine.com/criticas/2007/05/30/critica-doble-cuerpo/

sábado, 10 de julio de 2010

FÚTBOL: Un negocio por encima de la ley








Por Mario Osava

RÍO DE JANEIRO, 9 jul - La Copa Mundial de la FIFA, presentada y sentida masivamente como una disputa entre países que ponen en juego la honra nacional, es un negocio privado, controlado por pequeños grupos de personas que explotan el patriotismo y fomentan rivalidades en su mercadeo.
La advertencia de Arlei Damo, profesor de la Universidad Federal de Rio Grande do Sul (UFRGS), identifica características "mafiosas" en la FIFA (Federación Internacional de Fútbol Asociado), que "monopoliza" este deporte profesional en el mundo agrupando las federaciones nacionales y regionales.
Se trata de "un cuerpo cerrado que no brinda cuentas a nadie" y no permite que se conozca cuánto gana con este torneo mundial, que se realiza cada cuatro años, ni el destino de tanto dinero, señaló Damo a IPS. Dicta reglas, tiene su propia justicia y no acepta que sus miembros recurran a los tribunales de los países.
Graduado en educación física y doctorado en antropología social, Damo ya tiene tres libros publicados sobre fútbol y se suma a una creciente cantidad de investigadores académicos que estudian ese deporte.
La extraordinaria capacidad de movilización del fútbol no se debe al deporte en sí mismo, "un juego sin sentido, de narrativa fragmentada", sino al hecho de ser un poderoso "bien simbólico" y recurrir a mecanismos de adhesión, como el nacionalismo y el "clubismo", según el antropólogo.
Las multitudes que van a los estadios o se emocionan con el campeonato mundial no lo hacen por el deporte, sino para apoyar su club o la selección que se hace símbolo de la nación, observó. El patriotismo capturado hace que mujeres y muchos que "no entienden" ni aprecian el fútbol se vuelvan hinchas fervorosos.
Las rivalidades son un elemento clave. La adhesión a un club, en Brasil determinada por influencia de un "pariente consanguíneo" masculino en 80 por ciento de los casos, tiene que ser definitiva como la familia, la infidelidad se penaliza con un estigma social.
La selección de este país, como las del resto del mundo, no es un equipo del país sino de la Confederación Brasileña de Fútbol, un ente privado que no responde al Estado ni a la población, cuyos rumbos son decididos por algunos clubes poderosos, destacó Damo.
La FIFA explota la ambigüedad y una cierta creencia de que se trata de una institución multilateral, intergubernamental, aunque sea privada. Se vanagloria de tener más miembros que la Organización de Naciones Unidas –208 frente a 192-- y no permite extranjeros en una selección, sólo nativos o naturalizados, para no perder el poder atractivo del nacionalismo, acotó Damo.
Ese cuadro institucional, sin control del Estado y la sociedad, favorece la corrupción que denuncian periodistas como el escocés Andrew Jennings.
No por casualidad que la sede de la FIFA está en Suiza, cuya legislación flexible permitió la impunidad en un caso de sobornos denunciado por Jennings, involucrando propinas ofrecidas por ISL (International Sport and Leisure) que negociaba derechos televisivos y publicidad de la federación mundial.
En las organizaciones que comandan el fútbol en todo el mundo suelen eternizarse los dirigentes, otro hecho propicio a la corrupción. La FIFA fue presidida de 1974 a 1998 por el brasileño João Havelange, que antes dirigió la Confederación Brasileña por 16 años.

Pero el éxito "inexplicable" del fútbol en todo el mundo, haciéndose el deporte preferido en la mayoría de los países donde penetró, lo pone por encima de esos problemas, según Simoni Lahud, antropóloga de la Universidad Federal Fluminense, de Niteroi, ciudad vecina a Río de Janeiro.
Esa expansión global del fútbol, un triunfo que legitima el poder de la FIFA, generó por todos lados una "pasión popular" que le resta repercusión a la corrupción e interferencias del comando futbolístico en decisiones nacionales, como la construcción de estadios, la forma de organizar la Copa Mundial, explicó.
En un "mundo transnacionalizado", los deportes se constituyeron en "uno de los pocos lugares para la representación nacional", especialmente en Brasil, donde "la nación tiene pocas vías de expresión" y por eso "pone todas las fichas en el fútbol", según la investigadora.
Argentina tiene una situación distinta, con el nacionalismo manifestándose en muchas áreas, como la política y conflictos territoriales, en consecuencia allí la "pasión de los clubes" es tan fuerte como por la selección nacional, sostuvo.
Las diferencias se reflejaron en la distinta forma de reaccionar ante el fracaso en la actual Copa Mundial, en Sudáfrica, acotó. Mientras los argentinos recibieron "con fiestas a su selección" pese a que debió dejar la competencia tras ser goleada cuatro a cero por la selección de Alemania, los brasileños reaccionaron "con piedras" contra sus jugadores, derrotados en cuartas de finales por Holanda por dos goles contra uno.
Curiosamente ese nacionalismo pegado al fútbol en Brasil "nació de una derrota", cuando perdió el partido final de la Copa Mundial de 1950 frente a Uruguay por dos goles contra uno, recordó Lahu.
El trauma nacional, tras el triunfo del pequeño vecino país que echó por tierra con el amplio favoritismo brasileño, marcó a la sociedad de este país y, posiblemente por eso, triunfar se hizo una obsesión nacional.
El fútbol, de todas formas, se hizo tan importante para la vida de miles de millones de seres humanos y un negocio tan gigantesco, que su gobernanza tiende también a atraer la atención no solo de investigadores académicos.
El presidente de Brasil, Luiz Inácio Lula da Silva, por ejemplo, sugirió limitar el tiempo de mandato presidencial de la Confederación Brasileña de Fútbol (CBF) a ocho años, como hacían los sindicatos bajo su dirección en los años 70.
Ricardo Teixeira, ex yerno de Havelange, preside la CBF desde hace 21 años. Y el suizo Blatter comanda la FIFA desde 1998.
Fuente:
1. http://www.ipsnoticias.net/nota.asp?idnews=95871
2. http://www.futbolypasion.com/mujeres-y-futbol/la-otra-seleccion-argentina/
3. www.laschicasdeguate.com

Pedro Navaja - Rubén Blades

Manu Chao - Clandestino (LIVE)

Mediterráneo

LUCÍA JUAN MANUEL SERRAT

Robi Draco Rosa Cruzando puertas


__________________
Cruzando Puertas :
Voy cruzando puertas tras de ti,
amor, porque quiero yo así,
porque sé que nos buscamos
voy pisando pasos que ya di.

¿Dónde estás? Te busco
sólo encuentro un lugar de piedra y silencio.

Voy cruzando puertas tras de ti,
voy cruzando puertas tras de ti.

La oscuridad invita a la experiencia
amiga y enemiga, es un animal,
que alimentarás hasta el fin.

Te busco, sólo encuentro un lugar
de piedra y silencio.
Tu cuerpo acecha tras la sombra,
tu cuerpo, laberinto eterno,
encubre peligro y misterio.

Voy cruzando puertas tras de ti--¿Dónde estás?
Te busco, sólo encuentro un lugar
de piedra y silencio.
Tu cuerpo acecha tras la sombra,
tu cuerp, laberinto eterno,
encubre peligro y misterio,
peligro y misterio.

¿Dónde estás? Te busco, sólo encuentro un lugar
de piedra y silencio.
Tu cuerpo acecha tras la sombra,
tu cuerpo laberinto eterno,
encubre peligro y misterio,
peligro y misterio.

¿Dónde estás? Te busco, sólo encuentro un lugar
de piedra y silencio.
Tu cuerpo acecha tras la sombra,
tu cuerpo, laberinto eterno,
encubre peligro y misterio.

Víctor Manuel - Sólo pienso en ti

SILVIO RODRIGUEZ ¿A donde van?

jueves, 1 de julio de 2010

Angela Molina





Ángela Molina



Nombre real Ángela María Molina Tejedor
Nacimiento 5 de octubre de 1955
Madrid, España

Ángela Molina Tejedor (Madrid, 5 de octubre de 1955) es una actriz española perteneciente a una conocida saga de artistas.

Sus inicios cinematográficos, que incluyen trabajos para Luis Buñuel y Manuel Gutiérrez Aragón, la convierten en una de las actrices más representativas de la Transición. Su notable presencia internacional le permite rodar en Italia, Francia o Latinoamérica, así como superar el centenar de películas y atesorar premios como el David de Donatello de la Academia italiana y la Concha de Plata del Festival de San Sebastián.


Biografía
Inicios
Consolidación y reconocimiento internacional
Artista multidisciplinar
Últimos años
Filmografía
Obras de teatro
Televisión
Discografía
Premios y candidaturas


BIOGRAFÍA
Nace en Madrid el 5 de octubre de 1955. Tercera de los ocho hijos del cantante y actor Antonio Molina, sus hermanos Paula, Miguel, Mónica y Noel también se dedican a la interpretación y a la música, al igual que su hija Olivia Molina.

INICIOS
Estudia ballet clásico, danza española y Arte Dramático en la Escuela Superior de Madrid. Trabaja en el circo en Francia y ejerce como profesora de baile clásico español antes de aparecer en su primera película, No matarás (César F. Ardavín, 1974), a raíz de un reportaje fotográfico publicado en Fotogramas. Cuenta diecinueve años y su dedicación al cine es absoluta desde entonces.

Llegada la Transición y el auge comercial del destape, del que pronto se desvincula, enfoca su carrera hacia producciones que reúnan cierta calidad y compromiso, a menudo de temática social, política o histórica, motivada por el pensamiento que acompaña cada guión.[1]

En 1976 rechaza protagonizar Cambio de sexo, de Vicente Aranda, mientras asume papeles relevantes en La ciutat cremada, de Antoni Ribas y en Las largas vacaciones del 36, de Jaime Camino. Un año antes es propuesta para el papel que interpreta Alicia Sánchez en Furtivos, de José Luis Borau, con quien más tarde trabaja en La sabina (1979).

Luis Buñuel la elige en 1977 para protagonizar, junto a Fernando Rey, Ese oscuro objeto del deseo, película que le proporciona renombre internacional y le abre las puertas de la cinematografía europea. En ella comparte personaje con la actriz francesa Carole Bouquet y exhibe un temperamento vivo y enigmático, que luego trata de combinar con su aspecto dulce y suave. Buñuel afirma de ella que posee «el rostro de una virgen pagana», afianzando así el mito de mujer instintiva y pasional que conserva en su mirada cierto primitivismo.[2]

CONSOLIDACIÓN Y RECONOCIMIENTO INTERNACIONAL
Por entonces y a lo largo de la década de 1980, Ángela Molina se convierte en rostro habitual de la gran pantalla, reafirma su presencia en España y la amplía en Francia e Italia, con incursiones en el cine alemán y norteamericano. Habla varios idiomas, por lo que a menudo no necesita ser doblada. Interviene en Operación Ogro, de Gillo Pontecorvo; en Bearn o la sala de las muñecas, de Jaime Chávarri, encarna a La Bella Otero en una coproducción española para la televisión italiana y rueda a las órdenes de Jaime de Armiñán, Luigi Comencini, Ricardo Franco, Marco Bellocchio, Bigas Luna o Lina Wertmüller.

Una fructífera colaboración con el director cántabro Manuel Gutiérrez Aragón afianza su carrera y ahonda en su potencial dramático mediante papeles principales en Camada negra, El corazón del bosque, Demonios en el jardín y La mitad del cielo, obras que componen un retrato alegórico de la España ominosa del franquismo y en las que la ideología, el núcleo familiar y la presencia femenina cobran especial importancia. «Esas películas marcaron mi alma y mi forma de trabajar», diría más tarde la actriz.[3]

En 1985 se le concede el Gran Premio de la Crítica de Nueva York y al año siguiente se convierte en la primera actriz extranjera en recibir el David de Donatello que otorga la academia italiana de cine. También en 1986 consigue con La mitad del cielo la Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián y es nominada en la 1ª edición de los Premios Goya.

ARTISTA MULTIDISCIPLINAR
En esos años prueba suerte en el mundo de la canción, edita un disco (Con las defensas rotas) y canta Muertos de amor a dúo con Georges Moustaki. Sin embargo, es en las dos partes de Las cosas del querer (Jaime Chávarri, 1989 y 1995), donde desarrolla con éxito su faceta musical, dando vida a un personaje muy querido en su carrera. Poco antes rueda Esquilache, que protagoniza Fernando Fernán Gómez para Josefina Molina.

Considerada una de las actrices españolas mejor pagadas junto a Ana Belén y Victoria Abril, espacia sus trabajos nacionales a partir de 1990, coincidiendo con su negativa a protagonizar la versión de Bigas Luna de Las edades de Lulú -por lo escabroso de algunas escenas-, y especialmente con el agravamiento de la enfermedad y la muerte de Antonio Molina en 1992. Fuera de nuestras fronteras destaca en Sandino, de Miguel Littín, que narra la vida del líder revolucionario nicaragüense y en El hombre que perdió su sombra, de Alain Tanner, junto a Francisco Rabal. Trabaja también con Marcello Mastroianni y aparece en 1492: La conquista del paraíso, superproducción de Ridley Scott que protagoniza Gérard Depardieu. Con Viggo Mortensen rueda Gimlet en 1995.

Tarda en darle el sí a Pedro Almodóvar y lo hace para su película Carne trémula (1997), un trabajo que no se aleja del todo de la chica sensual de sus comienzos, pero la aproxima ya a la mujer madura, marcada por las huellas de la vida, que representa en los últimos años. El rodaje con Almodóvar supone ciertas dificultades para la actriz, que vuelve a saborear el reconocimiento profesional. Consigue su cuarto Fotogramas de Plata y logra una cuarta candidatura al Goya.

ÚLTIMOS AÑOS
Posteriormente, protagoniza la comedia televisiva Hermanas y ofrece un variado registro en proyectos muy dispares, a menudo independientes y comprometidos, tanto españoles como extranjeros. Destacan El mar, Punto de mira (One of the Hollywood Ten), Sagitario, Al sur de Granada, Los Borgia y La caja.

En 2002 le llega la oportunidad teatral y debuta en el Festival de Teatro Clásico de Mérida con Troya, siglo XXI. En 2005 encarna a la seductora Mrs. Robinson en El Graduado, montaje que dirige Andrés Lima y comparte con su hija Olivia en papeles antagónicos. Regresa tres años después a los escenarios con La dama del mar, adaptación de Susan Sontag del texto de Henrik Ibsen para Robert Wilson.

En 2007 estrena El destino de Nunik, crónica del genocidio armenio a cargo de Paolo y Vittorio Taviani que protagoniza junto a Paz Vega. Tras colaborar en dos películas de Giuseppe Tornatore, repite con Almodóvar en Los abrazos rotos, dando vida a la madre de Penélope Cruz.

Con Emilio Gutiérrez Caba encabeza el reparto de Gran Reserva, la principal apuesta de ficción de TVE-1 para 2010.

Continúa vinculada al buen cine de autor y asegura preferir «el cine de directores que cuentan algo porque, si no lo hacen, revientan...».[4] Su voz frágil aunque cálida y una dicción a veces muy discutida, no devalúan un estilo interpretativo realista de notable autenticidad y capacidad improvisadora. En reconocimiento a su extensa carrera cinematográfica, recibe en 2002 el primer Premio Málaga otorgado en el marco del Festival de Cine Español de Málaga e inaugura un monolito en su honor en el Paseo Antonio Banderas de la ciudad andaluza.

Ángela Molina tiene tres hijos de su primera unión con el fotógrafo y realizador francés Hervé Tirmarche, y dos (la última nacida en 2003) con su actual marido, Leo Blakstad.

FILMOGRAFÍA
Carne de neón, de Paco Cabezas (en prod.)
The Way, de Emilio Estévez (en prod.)
Barbarossa, de Renzo Martinelli (2009)
Baarìa, de Giuseppe Tornatore (2009)
Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar (2009)
Diario de una ninfómana, de Christian Molina (2008)
Un château en Espagne, de Isabelle Doval (2008)
El destino de Nunik, de Paolo y Vittorio Taviani (2007)
La caja, de Juan Carlos Falcón (2007)
La desconocida (La sconosciuta), de Giuseppe Tornatore (2006)
La sacra famiglia, de Raffaele Mertes (2006)
Los Borgia, de Antonio Hernández (2006)
El triunfo, de Mireia Ros (2006)
Al sur de Granada, de Fernando Colomo (2003)
El verano de Anna (Annas Sommer), de Jeanine Meerapfel (2002)
Carnages, de Delphine Gleize (2002)
Nowhere, de Luis Sepúlveda (2002)
Piedras, de Ramón Salazar (2002)
Un delitto impossibile, de Antonio Luigi Grimaldi (2001)
Malefemmene, de Fabio Conversi (2001)
Punto de mira (One of the Hollywood Ten), de Karl Francis (2001)
Sagitario, de Vicente Molina Foix (2001)
L'origine du monde, de Jérôme Enrico (2001)
El mar, de Agustí Villaronga (2000)
Jara, de Manuel Estudillo (2000)
El viento se llevó lo que, de Alejandro Agresti (1998)
Carne trémula, de Pedro Almodóvar (1997)
Sin querer, de Ciro Cappellari (1997)
Edipo alcalde, de Jorge Alí Triana (1996)
Gimlet, de José Luis Acosta (1995)
¡Oh, cielos!, de Ricardo Franco (1995)
Las cosas del querer 2, de Jaime Chávarri (1995)
Con los ojos cerrados (Con gli occhi chiusi), de Francesca Archibugi (1994)
El baile de las ánimas, de Pedro Carvajal (1994)
Mal de amores, de Carlos Balagué (1993)
Coitado do Jorge, de Jorge Silva Melo (1993)
Una mujer bajo la lluvia, de Gerardo Vera (1992)
Krapatchouk: al este del desdén (Krapatchouk), de Enrique Gabriel (1992)
1492: La Conquista del Paraíso (1492: Conquest of Paradise), de Ridley Scott (1992)
Martes de Carnaval, de Fernando Bauluz y Pedro Carvajal (1991)
El ladrón de niños (Le voleur d'enfants), de Christian de Chalonge (1991)
El hombre que perdió su sombra, de Alain Tanner (1991)
Sandino, de Miguel Littín (1991)
Volevo i pantaloni, de Maurizio Ponzi (1990)
La Batalla de los Tres Reyes, de Souheil Ben-Barka y Uchkun Nazarov (1990)
Las cosas del querer, de Jaime Chávarri (1989)
La barbare, de Mireille Darc (1989)
Los ángeles, de Jacob Berger (1989)
Río Negro, de Atahualpa Lichy (1989)
Barroco, de Paul Leduc (1989)
Esquilache, de Josefina Molina (1989)
Via Paradiso, de Luciano Odorisio (1988)
Luces y sombras, de Jaime Camino (1988)
Laura, del cielo llega la noche, de Gonzalo Herralde (1987)
Fuegos, de Alfredo Arias (1987)
La esposa era bellísima, de Pál Gábor (1986)
La mitad del cielo, de Manuel Gutiérrez Aragón (1986)
Streets of gold, de Joe Roth (1986)
Camorra: Contacto en Nápoles (Un complicato intrigo di donne, vicoli e delitti), de Lina Wertmüller (1986)
Lola, de Bigas Luna (1986)
El río de oro, de Jaime Chávarri (1986)
Bras de fer, de Gérard Vergez (1985)
Fuego eterno, de José Ángel Rebolledo (1984)
Bearn o la sala de las muñecas, de Jaime Chávarri (1983)
Dies rigorose Leben, de Vadim Glowna (1983)
Demonios en el jardín, de Manuel Gutiérrez Aragón (1982)
Gli occhi, la bocca, de Marco Bellocchio (1982)
Operación Ogro, de Gillo Pontecorvo (1980)
Kaltgestellt, de Bernhard Sinkel (1980)
La sabina, de José Luis Borau (1979)
Le buone notizie, de Elio Petri (1979)
El corazón del bosque, de Manuel Gutiérrez Aragón (1979)
La portentosa vida del pare Vicent, de Carles Mira (1978)
Viva/muera Don Juan, de Tomás Aznar (1978)
El hombre que supo amar, de Miguel Picazo (1978)
Los restos del naufragio, de Ricardo Franco (1978)
El gran atasco (L'ingorgo - Una storia impossibile), de Luigi Comencini (1978)
A un dios desconocido, de Jaime Chávarri (1977)
Ese oscuro objeto del deseo, de Luis Buñuel (1977)
Nunca es tarde, de Jaime de Armiñán (1977)
Camada negra, de Manuel Gutiérrez Aragón (1977)
Las largas vacaciones del 36, de Jaime Camino (1976)
La ciutat cremada, de Antoni Ribas (1976)
Las protegidas, de Francisco Lara Polop (1975)
No quiero perder la honra, de Eugenio Martín (1975)
No matarás, de César F. Ardavín (1974)


OBRAS DE TEATRO
La dama del mar, de Robert Wilson (2008)
El Graduado, de Andrés Lima (2005)
Troya, siglo XXI, de Jorge Márquez (2002)
[editar] Televisión
Gran Reserva, de Carlos Sedes (2010)
L'onore e il rispetto 2, de Salvatore Samperi y Luigi Parisi (2009)
Io non dimentico, de Luciano Odorisio (2008)
Chiara e Francesco, de Fabrizio Costa (2007)
La Commune, de Philippe Triboit (2007)
Imperium: Nerón, de Paul Marcus (2004)
María, Madre de Jesús, de Fabrizio Costa (2000)
La mujer del presidente, de Eduardo Ripari (1999)
Hermanas, de Enric Banqué (1998)
Le baiser sous la cloche, de Emmanuel Gust (1998)
Vite blindate, de Alessandro di Robilant (1998)
La famiglia Ricordi, de Mauro Bolognini (1995)
Sandino, de Miguel Littín (1994)
Fantaghirò, de Lamberto Bava (1991)
Les démoniaques, de Pierre Koralnik (1991)
Hemingway, fiesta y muerte, de José María Sánchez (1988)
Garibaldi, il generale, de Luigi Magni (1987)
Quo vadis?, de Franco Rossi (1985)
La Bella Otero, de José María Sánchez (1983)
Cuentos y leyendas: La Rubia y el Canario, de Josefina Molina (1975)

DISCOGRAFÍA
Las cosas del querer. 2ª parte (1995)
B.S.O. Las cosas del querer. Junto a Manuel Bandera (1989)
Con las defensas rotas. Colabora Georges Moustaki (1986)

PREMIOS Y CANDIDATURAS
Premios David de Donatello
1986 Mejor actriz protagonista Camorra: Contacto en Nápoles (Un complicato intrigo di donne, vicoli e delitti) Ganadora

Festival Internacional de Cine de San Sebastián
1986 Concha de Plata a la mejor actriz La mitad del cielo Ganadora

Premios Goya

1997 Mejor interpretación femenina de reparto Carne trémula Candidata
1989 Mejor interpretación femenina protagonista Las cosas del querer Candidata
1988 Mejor interpretación femenina protagonista Luces y sombras Candidata
1986 Mejor interpretación femenina protagonista La mitad del cielo Candidata

Fotogramas de Plata

1998 Mejor actriz de televisión Hermanas Candidata
1997 Mejor actriz de cine Carne trémula
Edipo alcalde Ganadora
1989 Mejor actriz de cine Esquilache
Las cosas del querer Candidata
1986 Mejor actriz de cine El río de oro
La mitad del cielo
Lola Ganadora
1982 Mejor actriz de cine Demonios en el jardín Candidata
1979 Mejor intérprete de cine español El corazón del bosque
La sabina Ganadora
1977 Mejor intérprete de cine español Camada negra Ganadora

Unión de Actores
1997 Mejor interpretación secundaria de cine Carne trémula Candidata

Otros
1981
Gran Premio de Interpretación del Festival de Cine de Nueva Delhi por La sabina
1982
Premio de Interpretación del Festival de Cine de Montréal
1985
Gran Premio de la Crítica de Nueva York por Demonios en el jardín
Premio ACE a la mejor actriz por Demonios en el jardín
1989
Premio de Interpretación del Festival de Cine de Santarém por La mitad del cielo
1996
Premio de Interpretación del Festival de Cine de Cartagena de Indias por Las cosas del querer 2
1999
Premio honorífico Ciudad de Huelva del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva
2002
Premio Málaga del Festival de Cine Español de Málaga a la trayectoria cinematográfica
2003
Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes
2007
Premio honorífico Fellini 8 1/2 del Festival EuropaCinema de Viareggio
Premio de Interpretación del Festival Internacional de Cine de Ibiza por La caja
2009
Premio de Honor de la Mostra de Cinema Llatinoamericà de Lleida
Premio Nacional de Cinematografía Nacho Martínez del Festival Internacional de Cine de Gijón
2010
Premio Luis Buñuel del Festival Internacional de Cine de Huesca
Fuentes:
1. http://es.wikipedia.org/wiki/Ese_oscuro_objeto_del_deseo
2. http://www.google.com.ar/images

Carol Bouquet




Carole Bouquet
(nacida en Francia el 18 de agosto de 1957) es una actriz francesa, conocida internacionalmente desde su debut cinematográfico en 1977, cuando Luis Buñuel la eligió para protagonizar junto a Fernando Rey el clásico del surrealismo Ese oscuro objeto del deseo, compartiendo el personaje de Conchita con Ángela Molina.


Biografia

Afianzó su carrera en 1981 interpretando el papel de chica Bond en Solo para tus ojos, donde coincidió con Roger Moore. Ganó el Premio César a la mejor actriz en 1990 por su trabajo en la producción francesa Demasiado bella para ti). En 1997 protagonizó Lucie Aubrac, del director Claude Berri
Otras películas recientes son Nordeste (2005) y Un amor perfecto (2006).

Carole Bouquet es viuda del productor Jean-Pierre Rassam, con quien tuvo un hijo, Dimitri Rassam. En 2003 se casó con el actor francés Gérard Depardieu, con quien había trabajado en varias ocasiones con anterioridad.

Durante la década de 1990 participó en varias campañas publicitarias de la firma Chanel.
Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Carole_Bouquet

Ese oskuro ovjeto del deseo





Título: Cet obscur objet du désir

Ese oscuro objeto del deseo es la última de las películas dirigidas por Luis Buñuel. Se trata de una muy libre adaptación de la novela de Pierre Louys La mujer y el pelele (La femme et le pantin) y de una coproducción franco-española.

En esta, su última película, Buñuel vuelve a mostrar con un sentido del humor corrosivo toda la frustración que representa un amor no compartido y el peso que tienen en nuestro mundo la educación cristiana y la sociedad burguesa. El mejor ejemplo de esta frustración está en el símbolo que representa la lencería de Conchita, que pasa de ser un objeto erótico a transformarse en cinturón de castidad indestructible.

Uno de los aspectos más originales de Buñuel en esta película es el hecho de que escogiera para representar el papel de Conchita a dos actrices distintas, Carole Bouquet y Ángela Molina, que representan los dos aspectos de su personalidad. Sin embargo, y como ocurre en la realidad, ambas personalidades se entremezclan y no resulta sencillo descubrir por qué en cada momento aparece una u otra actriz.

Argumento
En el curso de un viaje en tren, Mathieu Faber cuenta a sus compañeros de compartimento su historia sentimental con Conchita, una seductora mujer a la que tratará de conquistar. Sin embargo, ella siempre consigue eludir sus devaneos, a pesar de darle esperanzas.

Ficha técnica:
Dirección Luis Buñuel
Producción Serge Silberman
Guión Luis Buñuel
Jean-Claude Carrière
Música Richard Wagner
Fotografía Edmond Richard
Montaje Hélène Helene Plemiannikov
Reparto Fernando Rey
Carole Bouquet
Ángela Molina
Julien Bertheau
André Weber
Milena Vukotic
María Asquerino
Ellen Bahl
Datos y cifras
País(es) Francia
España
Año 1977
Género Drama
Duración 102 minutos
Fuente:http://es.wikipedia.org/wiki/Ese_oscuro_objeto_del_deseo